Perspectivas estéticas desde el punto de vista musical

 
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Perspectivas estéticas desde el punto de vista musical

Chloë Kline, Community MusicWorks; Directora de Educación y músico residente

10-01-2019

El concepto de arte como acto de revolución -como medio para fomentar el cambio, estimular la conciencia e imaginar nuevas realidades- es tan antiguo como el propio arte. Por ejemplo, los tambores hacían sonar a otros invisibles, y las imágenes de las cavernas exploraban las relaciones de los individuos con especies animales conocidas y desconocidas. Aun así, puede resultar difícil ver cómo la música clásica, con sus normas y tradiciones profundamente establecidas, puede ayudarnos a articular una nueva visión del mundo. ¿Constituye una representación de una obra maestra popular y querida, interpretada por estudiantes negros y morenos de una zona con pocos recursos, imaginar una nueva realidad? ¿O perpetúa la preocupante suposición de que la música clásica es un vehículo para algún tipo de ascensión cultural?

Tal vez empiece por considerar la música como una acción. Christopher Small describe una actuación musical como "...una actividad en la que dos o más personas se comprometen juntas... todos los presentes, tanto intérpretes como oyentes, participan en el encuentro, y todos contribuyen a su naturaleza a través de las relaciones que establecen entre sí durante la actuación". En otras palabras, si el acto de tocar música juntos permite a los creadores de la música y al público crear una visión ampliada del mundo, quizá esta actuación sea un acto de revolución. Tal vez la pregunta sea: "¿Cómo quitamos de en medio las normas y tradiciones de la música clásica para permitir esta expansión?".

Una nueva publicación de Americanos por las Artestitulada The Teaching Artist Companion to Aesthetic Perspectives: Attributes of Excellence in Arts for Change, describe 11 estrategias para el éxito de los enfoques de las artes para el cambio. Sus autoras, Dennie Palmer Wolf y Jeannette Rodríguez Píneda, exploran lo que ocurre cuando los artistas educadores aportan compromiso, significado comunitario, disrupción, integridad cultural, experiencia emocional, experiencia sensorial, asunción de riesgos, apertura, ingenio, coherencia y adherencia a su trabajo con los jóvenes. Aunque muchos de los ejemplos proceden de las artes visuales, estos atributos también se aplican al replanteamiento de la música como verbo, una acción que une a las personas.

¿Qué pasaría, por ejemplo, si los artistas docentes se centraran en el significado comunitario y cambiaran la noción de aplicar la visión de un director de orquesta por el modelo de jugadores comunitarios que exploran significados compartidos a través de la música para transmitir su mensaje? ¿Qué pasaría si los estudiantes aprendieran que una parte vital de ser músico es la capacidad de escuchar múltiples perspectivas, probar diferentes posibilidades y construir entendimientos compartidos?

En Community MusicWorkslos alumnos de nuestro Programa de Orquesta Diaria ensayan sin director. Enseñamos y modelamos la creación musical como un ejercicio de colaboración y construcción de la comunidad en el que todas las voces son importantes. Recientemente, cuando el grupo estaba escribiendo la letra de una canción para una actuación, casi hubo un empate sobre qué verso utilizar. "El otro bando tiene un voto más, así que supongo que perdemos", dijo un alumno desconsolado. Adrienne Taylor, profesora del CMW, animó a los alumnos a pensar en otras soluciones. "Es cierto que nuestra democracia a veces funciona así", señaló, "pero hay otras formas en que la democracia puede funcionar. En algunas partes del mundo, si hay una votación dividida, los partidos principales tienen que formar una coalición, y ambos líderes o grupos tienen que averiguar cómo trabajar juntos." Este concepto dio lugar a una conversación sobre otras formas de llegar a una decisión y, tras más debates, el grupo escribió un nuevo verso con elementos de cada verso anterior. Más que una "pérdida de valioso tiempo de ensayo", lo vimos como una ganancia de musicalidad compartida.

Otra estrategia es la disrupción, o el uso del arte para hacer visible lo que ha estado oculto. Esto plantea nuevas formas de ser, y modela nuevas formas de acción. ¿Quién toma las decisiones significativas del conjunto? ¿Cómo pueden los alumnos y los profesores inventar nuevas formas de practicar, ensayar, escuchar, reflexionar y mejorar? ¿Quiénes son las voces que faltan en el repertorio y por qué? ¿Cómo se pueden reimaginar los conciertos para incluir las voces de los estudiantes? ¿Cómo podemos presentar a los estudiantes a intérpretes como el PUBLIQuartet que incorporan la improvisación a sus interpretaciones de obras del canon del cuarteto de cuerda?

Los 11 atributos se basan en las prácticas de los maestros artistas educadores. Son estrategias, no soluciones. Su propósito es invitar a los artistas educadores de todas las disciplinas a pensar en todos y cada uno de los detalles de su práctica como una posible palanca de cambio.

Americans for the Arts, Chloë Kline, Community MusicWorks, octubre de 2019, PUBLIQuartet, Teaching Artist, WolfBrown

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