Enmarcar la música "clásica" en contextos de equidad racial

 
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Enmarcar la música "clásica" en contextos de equidad racial

Alexander Laing, clarinete principal de la Phoenix Symphony

01-09-2017

Llamar a la música orquestal o a la llamada música clásica "música blanca" no es un encuadre que se ajuste cómodamente a la práctica de muchas personas. Esto es especialmente cierto para los practicantes de ALAANA (africanos, latinos, asiáticos, árabes, nativos americanos) o para los que enseñan a estudiantes de ALAANA. Lo entiendo a nivel personal.

Mi ensayo de solicitud de ingreso a la universidad trataba de cuadrar el círculo de que era una persona negra que no tocaba "música negra". En el ensayo, hablaba de cómo la esencia de la música que tocaba -la llamada música clásica- existía fuera de los vínculos de raza, espacio y tiempo. Decía: "No soy una persona negra que toca música blanca; soy un artista negro que intenta revelar verdades".

Más tarde, utilicé la historia para desafiar el marco de que se trata de música blanca. Llevé a mis actuaciones música de compositores negros, especialmente espirituales. Quería relacionarme con los Fisk Jubilee Singers, Paul Robeson, Roland Hayes, Marian Anderson y la tradición de los espirituales de sala de conciertos. Decía: "Formo parte de un linaje de artistas negros que tocan esta música".

Ambas formas de cuestionar el marco de que "la música clásica es música blanca" tienen algo de cierto. Soy un artista negro que intenta revelar verdades. Formo parte de una larga tradición de artistas negros que tocan la llamada música clásica.

Y sin embargo, hay datos y experiencias que apoyan el marco de que, aquí en Estados Unidos, la llamada música clásica es, de hecho, música de blancos. En 2014, el 88% de los músicos, el 84% de los directores y el 92% de los miembros de las orquestas eran blancos (fuente: League of American Orchestras).

Entonces, ¿qué debemos hacer con estos hechos, sobre todo cuando hablamos de practicar la música y la equidad en un mismo espacio? Una de las cosas que hacemos es contar la historia -a nuestros alumnos o, como hice yo, a un funcionario de admisión de la universidad- de que esta música no es blanca o negra, sino que va más allá.

Ese marco se basa en una ética del universalismo. Este concepto -de una ética universalista- es algo que escuché por primera vez de Jennifer Harvey en su libro Dear White Christians. Según Harvey, una ética universalista "presupone que el denominador común fundamental en el que debemos centrarnos es nuestra igualdad, lo que supuestamente todos compartimos". Esto, dice, contrasta con una ética particularista, que "reconoce que no hay una norma compartida con la que podamos medir o interpretar nuestras experiencias de raza, ni una a la que todos podamos rendir cuentas de forma similar".

Es el universalismo, dice Harvey, lo que nos lleva a "...enfoques de la raza o la justicia racial que ignoran el enigma de la blancura al hablar con tópicos abstractos y universalistas sobre la humanidad compartida. Es evidente que todos somos seres humanos. Pero ese discurso nos falla en nuestros intentos de sostener un trabajo crítico antirracista y de justicia racial que empodere a los blancos para atacar la supremacía blanca".

Creo que este marco -de una ética particularista- me ofrece una manera de ubicar lo que estoy haciendo cuando toco espirituales, o en el Festival de Música Gateways. Estoy participando en la historia particular de los artistas negros y de los espacios de práctica negros para la música. Para mí, eso es realmente importante.

Fue a través del marco universalista que yo -un joven negro bi-racial del siglo XX- pude situarme en los viajes de los héroes de Mozart, Beethoven y Mahler.

Pero he descubierto que sigue habiendo importantes oportunidades de investigación y crecimiento cuando miro la música con el marco particularista que destaca la relación de la música con la élite y la blancura.

Por ejemplo, en relación con los estudiantes de ALAANA, ese marco ("la música orquestal y la llamada música clásica es música de élite para blancos") podría presentar oportunidades únicas para la investigación en torno a los viajes de raza y los viajes de clase. ¿Tiene el aprendizaje de la llamada música clásica algún impacto en la movilidad cultural de los estudiantes de ALAANA? ¿Tiene alguna relación con el cambio de códigos? ¿Cómo podríamos desenvolver estas conversaciones con nuestros estudiantes?

(Para más información, véase "Free Your Mind: Afrocentric Arts Education and the Counter Narrative School", un capítulo que mi hermano Justin escribió para el libro Culturally Relevant Arts Education for Social Justice: A Way Out of No Way).

O, en lo que respecta a la equidad: ¿podríamos guiar a nuestros alumnos en las indagaciones en torno a preguntas como "¿Por qué las salas de orquesta suelen vivir en algunos de los mejores inmuebles de la ciudad?".

Simplemente, lo que digo es lo siguiente: la música puede ser muy querida para nosotros, pero no es preciosa. Como artistas, sabemos que puede soportar el interrogatorio y contar diferentes historias. Hay poder en el marco universalista de "la música apunta a la verdad" y en el viaje del héroe del artista. Hay poder en el marco particularista que revela las historias de la larga tradición y presencia de los pueblos ALAANA en la música. Hay poder en el marco particularista que revela las historias de la blancura elitista de la música.

La música es muchas cosas.

ALAANA, Alexander Laing, septiembre de 2017, The Phoenix Symphony

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